Public Enemy – It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back

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29 août 2021 par OC


.CRITIQUE/

Le 2ème disque de ce groupe mythique fera parler de lui… Je répète ne pas être grand connaisseur en Rap ou Hip Hop, mais l’urgence est encore ici l’un de mes intérêts principal pour évoquer cet album.

A l’instar du punk rock de la fin 70, ce brûlot explose fin 80 par ses textes engagés à l’extrémisme assumé concernant la préférence noire sur un système blanc omniprésent et dominateur.

Ce disque est une perle du genre sous tous ses aspects : paroles, voix, samples, scratchs, mix, enregistrement et production parfaite. Cette manière de détruire pour mieux reconstruire avec des sons agressifs et originaux sont produits par Hank Shocklee, le Phil Spector du rap comme il est surnommé.

Ce disque à la production incroyable est aujourd’hui reconnu comme l’une des références majeures du rap et fait partie de toutes les meilleures collections de vinyles.

Explosivité assurée ! Ocollus

Cliquez pour écouter (ci-dessous)

full album……

It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back est le deuxième album studio du groupe hip hop américain Public Enemy, sorti le 24 juin 1988. Le groupe a voulu faire l’équivalent hip-hop de What’s Going On de Marvin Gaye, un album remarqué pour son fort commentaire social. Les sessions d’enregistrement ont lieu en 1987 et 1988 aux Chung King Studios, Greene St. Recording et Sabella Studios à New York. Constatant l’accueil enthousiaste réservé à leurs concerts, Public Enemy a l’intention de faire de la musique à un tempo plus élevé que celui de leur premier album de 1987, Yo ! Bum Rush the Show de 1987. Par l’intermédiaire de leur équipe de production The Bomb Squad, ils ont introduit un son très agressif influencé par le free jazz, le funk lourd et la musique concrète comme toile de fond pour le rappeur principal Chuck D, qui employait une rhétorique sociopolitique, des attitudes révolutionnaires et un vocabulaire dense dans ses performances.

It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back a figuré pendant 47 semaines au Billboard 200 américain, culminant à la 42e place, et a été certifié platine par la RIAA en 1989. L’album a été largement acclamé par la critique, qui a fait l’éloge de ses techniques de production et du lyrisme socialement et politiquement chargé du MC Chuck D. Il a également figuré sur les listes des meilleurs albums de l’année 1988 de nombreuses publications et a été le choix le plus fréquent comme meilleur album de 1988 dans le sondage Pazz & Jop de The Village Voice, un sondage des principaux critiques de musique aux États-Unis.

Depuis sa réception initiale, It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back a été considéré par les écrivains et les publications musicales comme l’un des plus grands et des plus influents albums de tous les temps En 2000, il a été élu numéro 92 dans le livre All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin et en 2003, il a été classé numéro 48 sur la liste des 500 plus grands albums de tous les temps du magazine Rolling Stone, le meilleur classement de tous les albums hip-hop de la liste, et le seul reconnu dans le top cent. Cette situation a été évitée en 2020, lorsqu’une deuxième version actualisée de la liste a fait passer l’album à la 15e place, tandis que d’autres albums de hip-hop figuraient également parmi les cent premiers.

Background

Le premier album de Public Enemy en 1987, Yo ! Bum Rush the Show, bien qu’acclamé par les critiques et les aficionados du hip-hop, avait été ignoré pour la plupart par le courant dominant du rock et du R&B, ne se vendant qu’à 300 000 exemplaires, ce qui était relativement faible par rapport aux standards de vente élevés d’autres artistes de Def Jam tels que LL Cool J et Beastie Boys à l’époque. Cependant, le groupe a continué à tourner et à enregistrer sans relâche.  » Le jour où Yo ! Bum Rush the Show est sorti [au printemps 1987], nous étions déjà dans les tranchées en train d’enregistrer Nation of Millions « , a déclaré le MC Chuck D.

Avec It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back, le groupe a entrepris de faire ce qu’il considérait comme l’équivalent hip-hop de What’s Going On de Marvin Gaye, un album remarqué pour ses commentaires sociaux forts. Comme l’a dit Chuck,  » notre mission était de tuer le truc ‘Cold Gettin’ Dumb’ et de vraiment aborder certaines situations. « Afin de s’assurer que leurs concerts soient aussi excitants que ceux qu’ils ont joués à Londres et Philadelphie, le groupe a décidé que la musique de Nation of Millions devait être plus rapide que celle de Yo ! Bum Rush the Show  » Des années d’idées économisées « , note Chuck,  » ont été compilées en un missile auditif concentré « .

Enregistrement

On ne prenait pas des disques pour rapper dessus, mais on avait une façon complexe de développer le son, de l’arranger. On avait des musiciens comme Eric Sadler… Hank Shocklee, le Phil Spector du hip-hop. Il faut rendre à César ce qui lui est dû, si Phil Spector a le mur du son, Hank Shocklee a le mur du bruit. – Chuck D, The Quietus, 2008

Public Enemy a commencé à réaliser l’album aux Chung King Studios à Manhattan, mais a rencontré des conflits avec des ingénieurs ayant des préjugés contre les groupes de hip-hop. Le groupe a repris l’enregistrement au Greene Street Recording, où il était plus à l’aise. Au début, les ingénieurs du Greene Street avaient également des appréhensions à l’égard du groupe, mais ont fini par respecter leur éthique de travail et leur sérieux dans le processus d’enregistrement. [Enregistré sous le titre provisoire Countdown to Armageddon, le groupe a finalement opté pour It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back à la place, une ligne de la chanson « Raise the Roof » de leur premier album. [Le matériel a été enregistré en 30 jours pour un coût d’enregistrement estimé à 25 000 $, en raison d’une quantité importante de préproduction par le groupe dans leur studio de Long Island. L’album a été terminé en six semaines  » C’était un travail d’équipe agressif, une course contre la montre, prenant des risques dans le son « , se souvient Chuck D.

Plutôt que de partir en tournée avec le reste du groupe, Eric « Vietnam » Sadler et Hank Shocklee restaient en studio et travaillaient sur le matériel de l’album Nation of Millions, afin que la musique soit prête lorsque Chuck D et Flavor Flav revenaient de tournée. Lorsque le groupe a commencé à planifier le deuxième album, les chansons « Bring the Noise », « Don’t Believe the Hype » et « Rebel Without a Pause » étaient déjà terminées Ce dernier titre a été enregistré pendant la tournée Def Jam 1987 du groupe, et les paroles ont été écrites par Chuck D en une journée passée isolé chez lui. [Au lieu de mettre en boucle le break de « Funky Drummer » de James Brown, un breakbeat couramment utilisé dans le hip-hop, « Rebel Without a Pause » a fait en sorte que Flavor Flav joue le rythme sur la boîte à rythmes en continu pendant les cinq minutes et deux secondes que dure le morceau. [Chuck D a déclaré plus tard à propos de sa contribution au morceau :  » Le timing de Flavor a aidé à créer presque comme un rythme de groupe « Terminator X, le DJ/turntablist du groupe, a également incorporé un élément important au morceau, le célèbre scratch du transformateur, vers sa fin. Nommé pour sa similitude avec le son produit par les Autobots dans The Transformers, le scratch a été développé par DJ Spinbad et popularisé par DJ Jazzy Jeff et Cash Money, et Terminator X avait affiné sa version du scratch en tournée. Le groupe était satisfait de son son après avoir retiré la basse de sa section du morceau.

Selon Chuck D, Hank Shocklee faisait le dernier appel lorsque les chansons étaient terminées. « Hank venait avec le mixage final parce qu’il était le maître du son…. Hank est le Phil Spector du hip-hop. Il était en avance sur son temps, parce qu’il osait défier les probabilités en matière de son.  » C’est aussi l’un des détails qui, selon Chuck, est unique à l’époque et à l’enregistrement de l’album. « Une fois que le hip-hop est devenu corporatif, ils ont enlevé le casse-cou de l’art. Mais être casse-cou, c’est ce que Hank a apporté » Le groupe a décidé que l’album devait durer exactement une heure, trente minutes de chaque côté. À l’époque, les cassettes audio étaient plus populaires que les CD et le groupe ne voulait pas que les auditeurs aient à entendre des blancs pendant un long moment après que la moitié de l’album ait été terminée. Les deux faces de l’album étaient à l’origine inversées, l’album commençant par « Show Em Whatcha Got » qui débouche sur « She Watch Channel Zero ?! ». Cela devint plutôt le début de la deuxième face ou le « Black Side ». Hank Shocklee a décidé de retourner les faces juste avant le mastering de l’album et de commencer l’enregistrement avec Dave Pearce présentant le groupe lors de leur première tournée en Angleterre.

Musique et paroles

Sous la direction de Hank Shocklee, le Bomb Squad, l’équipe de production du groupe, a commencé à développer un style de production dense et chaotique qui s’appuyait autant sur les sons trouvés et le bruit d’avant-garde que sur le funk old-school. Outre une sélection variée d’éléments échantillonnés, les morceaux présentent un tempo plus important que ceux des contemporains du groupe. Le critique musical Robert Christgau a noté ces éléments et a écrit que le Bomb Squad  » fait du jus post-Coleman/Coltrane avec le genre d’élan furieux que le funk harmolodique n’a jamais osé : la merde ne cesse de s’abraser et d’exploser  » Comme pour les performances live du groupe, Flavor Flav a soutenu les paroles politiquement chargées de Chuck D avec des voix de  » hype man  » et des paroles surréalistes sur l’album.

En ce qui concerne le contenu de l’album, le journaliste musical Peter Shapiro a écrit : « Un larsen bourdonnant, des éclats occasionnels de guitare rock et des échantillons de corne de James Brown déformés en cris discordants soutiennent la rhétorique politique du rappeur Chuck D et la surréalité de Flavor Flav ». L’auteur ethnomathématique Ron Eglash a interprété le style et la production de l’album comme « un contenu politique et sonore massivement interconnecté », écrivant que « [le Bomb Squad] navigue dans l’ambiguïté entre les philosophies du son et de la voix. Le son de Public Enemy a démontré une intégration du contenu lyrique, du ton de la voix, de la densité et de la superposition des échantillons, de la déconstruction des scratchs et de la vitesse pure que le rap n’a jamais pu retrouver, et que les DJ et les producteurs de hip-hop continuent d’exploiter à la recherche de joyaux ».

Nous avons pris tout ce qui était ennuyeux, l’avons jeté dans une marmite, et c’est ainsi que nous sommes sortis avec ce groupe. Nous pensions que la musique n’est rien d’autre que du bruit organisé. Vous pouvez prendre n’importe quoi – des bruits de la rue, nous qui parlons, tout ce que vous voulez – et en faire de la musique en l’organisant. C’est toujours notre philosophie, montrer aux gens que cette chose que vous appelez musique est beaucoup plus large que vous ne le pensez.

– Hank Shocklee, Keyboard Magazine, 1990

Dans une interview accordée au New York Daily News, Shocklee a noté que le son dynamique de l’album était inspiré par les prouesses de Chuck D en matière de rap, déclarant :  » Chuck est un rappeur puissant. Nous voulions faire quelque chose qui puisse lui tenir tête sur le plan sonore » En ce qui concerne ses propres contributions à la production de l’album, Shocklee s’est présenté comme étant l’arrangeur et a noté qu’il n’avait « aucun intérêt pour les chansons linéaires » Lorsqu’il utilisait des disques pour l’échantillonnage, Shocklee a déclaré qu’il les mettait parfois par terre et les piétinait s’ils sonnaient trop « propres ».

Hank se référait à Chuck D comme étant la personne qui trouvait tous les échantillons vocaux, Eric Sadler comme étant  » celui qui avait le talent musical « , et notait que son frère, Keith Shocklee,  » connaissait beaucoup de breakbeats et était le maître des effets sonores « [22] Les sentiments de Shocklee ont été renforcés par Chuck D alors qu’il expliquait les méthodes de travail du groupe pendant la production.  » Eric était le musicien, Hank était l’antimusicien. Eric faisait une grande partie de la programmation [de la batterie], Keith [le frère de Hank] était le gars qui apportait le feeling « [15] Pour sa contribution à la production, Chuck a déclaré qu’il  » cherchait des échantillons de voix partout dans le monde. Je donnais un nom à une chanson, je la marquais et je récupérais les échantillons vocaux » Chuck D a également noté la productivité des approches différentes de Sadler et Shocklee dans le processus créatif. « La friction entre Hank et Eric fonctionnait très bien. Hank donnait un coup de pouce à la musicalité d’Eric et la musicalité d’Eric donnait un coup de pouce à Hank ».

Certaines erreurs de production ont été conservées pour l’album. Le breakdown de « Bring the Noise » dans lequel l’échantillon de grosse caisse de « Funky Drummer » de James Brown joue en solo était une erreur. Apparemment, la mauvaise séquence est apparue dans l’échantillonneur SP1200 et Shocklee a décidé non seulement de la garder mais de demander à Chuck de réécrire sa rime pour qu’elle corresponde au motif. L’album lui-même a été mixé sans automatisation, au lieu d’être enregistré sur une bande analogique et d’être ensuite minutieusement mixé à la main. [Lorsqu’on lui a demandé des années plus tard s’il était possible de reproduire le nombre d’échantillons utilisés sur l’album [en raison de l’augmentation des coûts d’autorisation pour le matériel protégé par le droit d’auteur], Hank Shocklee a répondu que, bien que cela soit possible, cela coûterait beaucoup plus cher qu’à l’époque.

Chansons

Tout au long de l’album, Chuck D livre des récits caractérisés par une rhétorique nationaliste noire et aborde des sujets tels que l’autonomisation des Afro-Américains, la critique de la suprématie blanche et la remise en question de l’exploitation dans l’industrie musicale. « Caught, Can We Get a Witness ? » aborde directement la question de l’échantillonnage dans le hip-hop et de la violation des droits d’auteur d’un point de vue qui soutient la pratique et revendique un droit dû à « la propriété noire des sons en premier lieu ».

« Rebel Without a Pause » illustre le tempo plus rapide que Public Enemy avait prévu pour l’album, tout en incorporant un rythme lourd et des échantillons de cornes hurlantes, ces dernières étant extraites de « The Grunt » (1970) de The J.B.’s. [Selon Ron Eglash, ces effets d’échantillonnage illustrent le « sens de l’urgence » donné aux messages des morceaux de l’album, « pour augmenter la tension du mélange », tandis que le message de Chuck D est « un message de résistance totale qui était facilement accessible à travers [. Le message de Chuck D est « un message de résistance totale qui était facilement accessible à travers […] les sons conflictuels de la basse, du groove et du bruit ». Sur le plan lyrique, il évite la structure traditionnelle couplet/refrain/ couplet/refrain de la chanson, avec 12 mesures du rap agressif de Chuck D, ponctuées par les ad-libs du stream of consciousness de Flavor Flav Russell Myrie, biographe de Public Enemy, écrit à propos de l’importance du morceau : « Il a égalé ‘I Know You Got Soul’ en termes d’innovation et de qualité à couper le souffle. Il augmente le tempo de Public Enemy, ce qu’ils feront à plusieurs reprises au cours de leur prochain chef-d’œuvre […] Le tempo plus rapide était important car il augmentait les niveaux d’énergie lors de leurs concerts. Mais le plus important, c’est que le son est frais. C’était du hip-hop de niveau supérieur. Chuck et Hank estimaient à juste titre qu’il pouvait se mesurer aux meilleurs disques de rap de l’époque. »

Certains des titres des chansons font référence à d’autres œuvres de la culture populaire. Le titre de la chanson « Party for Your Right to Fight » est un réarrangement du tube des Beastie Boys de 1987 « (You Gotta) Fight for Your Right (To Party !) » L’échantillon vocal du DJ hip-hop Mr. Magic déclarant que son émission ne passerait « plus de musique de nuls » a été utilisé sur la chanson « Cold Lampin’ with Flavor » après avoir été enregistré de l’émission de radio de Magic par Flavor Flav Magic avait dissuadé le groupe avec cette phrase lorsqu’il les avait embarqués par erreur dans la guerre radiophonique WBAU-WBLS.

Sortie et réception

L’album est sorti le 24 juin 1988 et dans son premier mois de sortie, It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back s’est vendu à 500 000 exemplaires sans efforts promotionnels significatifs de la part de son label de distribution Columbia Records Il a atteint la 42e place du classement Billboard Top Pop Albums des États-Unis et la première place du classement Top Black Albums. [Le 22 août 1989, il a été certifié platine par la Recording Industry Association of America (RIAA), pour des livraisons d’au moins un million d’exemplaires aux États-Unis. Depuis 1991, lorsque le système de suivi Nielsen SoundScan a commencé à suivre les données sur les ventes nationales, l’album a vendu 722 000 exemplaires supplémentaires en 2010.

It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back a reçu des critiques positives de la part des critiques contemporains. Dans sa critique pour Rolling Stone, David Fricke a décrit l’album comme un  » cocktail Molotov de scratching nucléaire, d’électronique minimaliste noueux et de rimes révolutionnaires  » et a complimenté son  » séquençage abrupt et sa violente compression sonore d’échantillons rapides, de percussions qui claquent comme des portes de prison, du travail tornade des platines de DJ Terminator X et de l’éloquence outrée de Chuck D « . [Robert Hilburn, rédacteur du Los Angeles Times, a déclaré que l’album incorporait une partie de la dynamique des premiers disques de rap, comme « The Message » (1982) de Grandmaster Flash and the Furious Five et « Sucker M.C.’s » (1983) de Run-D.M.C., à la « tradition radicale et socialement consciente de groupes comme les Last Poets ». [Hilburn a fait l’éloge de Chuck D pour son rap sur It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back, écrivant qu’il « n’a pas peur d’être étiqueté comme extrémiste, et c’est cette morsure sans peur – ou ce plan de match – qui aide à infuser ses raps de conscience noire avec la colère et l’agression des pionniers du punk comme les Sex Pistols et les Clash ». [Le Los Angeles Daily News a donné à l’album un « B » et a comparé sa « rage » musicale à celle de l’album Smoke Some Kill (1988) du rappeur Schoolly D. Jon Pareles du New York Times a fait l’éloge de l’album pour sa production et a comparé sa valeur symbolique à la musique hip-hop de l’époque, déclarant : « Là où la plupart des rappeurs se présentent de manière amusante et amusante, il n’y a pas d’autre choix :

Là où la plupart des rappeurs se présentent comme des individualistes funky, battant en brèche le statu quo, Public Enemy suggère que les auditeurs de rap peuvent devenir une communauté active, et pas seulement un public. Bien qu’il aille trop loin, It Takes a Nation met la tension urbaine et la colère des Noirs au premier plan ; il révèle le potentiel de démagogie ainsi que le besoin de changement. Qu’est-ce que tu vas faire ? Les rappeurs n’ont pas peur de toi », demande Public Enemy, et en 1988, cela ressemble à autre chose qu’un simple divertissement.

Bien qu’il ait écrit qu’il « sonne puissant, frais et galvanisant », Mark Jenkins du Washington Post a trouvé son contenu lyrique incohérent, déclarant « Aurally, ‘Nation of Millions’ is intoxicating ; la production audacieuse de Hank Shocklee et Carl Ryder s’avérera probablement parmi les plus distinctives de l’année, pas seulement dans le rap mais dans n’importe quel genre pop. Pour que leur travail ait le poids politique qu’il mérite, les membres de Public Enemy doivent penser par eux-mêmes, et pas seulement s’attacher à la pensée de n’importe quel nationaliste noir qui attire les foules en ce moment ». David Sinclair, du magazine Q, l’a qualifié d' »album d’une urgence inimaginable, bouillonnant de rage vengeresse et piégé de dispositifs musicaux incendiaires ».

Dans sa liste de fin d’année des meilleurs albums de 1988, Q a qualifié It Takes a Nation de « collage foudroyant de beat box [sic], de guitare rock, de bavardage de radio-police et de rap à haute vitesse ». Il a été élu numéro un dans le sondage annuel des critiques Pazz & Jop du Village Voice, ainsi que numéro trois sur la liste du créateur du sondage Robert Christgau. Dans un article pour le journal, Christgau l’a qualifié de « pop expérimentale la plus courageuse et la plus juste de la décennie – peu importe comment la musique se présente à l’écrit (ha ha), Hank Shocklee et Terminator X ont traduit les visions harmolodiques de Blood Ulmer en un fait de rue qui n’est pas moins éducatif (si différent) dans les habitations des rejetons de singes et des frères semblables (et différents) ».

Héritage et influence

It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back a été cité par les critiques et les publications comme l’un des enregistrements les plus grands et les plus influents de tous les temps Lors de la réédition remasterisée de l’album en 1995, Q l’a salué comme « le plus grand album de rap de tous les temps, un point de repère et un classique » Melody Maker a qualifié l’album de « bloody essential » et a commenté que « je n’avais pas cru que cela pouvait être plus dur [que Yo ! Bum Rush the Show]. NME l’a qualifié à l’époque de « meilleur album de hip-hop de tous les temps » et a déclaré : « Ce n’était pas seulement un triomphe sonore. C’est aussi l’endroit où Chuck a écrit une poignée de paroles qui l’ont promu au rang de commentateur/documenteur le plus important de la vie dans les bas-fonds des États-Unis ».

Les lecteurs de Hip Hop Connection l’ont élu meilleur album de tous les temps, ce qui a incité le magazine à commenter :  » Même ‘Rebel Without a Pause’, un concurrent certain pour le meilleur single de rap jamais sorti, n’a pas réussi à faire honte aux 12 autres morceaux, tant le niveau était élevé partout  » Les lecteurs de HHC l’ont à nouveau élu meilleur album de tous les temps en 2000, tout comme Flavor Flav dans son top 10. « C’est vraiment difficile », a-t-il déclaré, « parce que je suis amoureux de chaque œuvre qui a été enregistrée. Je ne dirais jamais que le projet de quelqu’un d’autre est meilleur que celui de quelqu’un d’autre. « 

Mojo a déclaré lors de la réédition européenne de l’album en 2000 :  » Responsables de la polémique la plus furieuse depuis The Last Poets…. [ils] ont révolutionné la musique, utilisant jusqu’à 80 pistes d’accompagnement dans l’assaut sonore…. à ces oreilles PE sonne comme le plus grand groupe de rock’n’roll de l’histoire « . [En 2003, Rolling Stone a classé l’album au 48e rang de sa liste des 500 plus grands albums de tous les temps, ce qui en fait le mieux classé des 27 albums de hip-hop figurant sur la liste. Le magazine Time l’a salué comme l’un des 100 plus grands albums de tous les temps en 2006. [Kurt Cobain, le guitariste et chanteur du groupe de rock Nirvana, a classé l’album parmi ses 50 albums préférés dans ses Journaux. En 2006, Q a placé l’album à la septième place de sa liste des « 40 meilleurs albums des années 80″ En juillet 2014, It Takes a Nation of Millions est classé meilleur album de 1988 et dix-huitième meilleur album de tous les temps par Acclaimed Music. En 2012, Slant Magazine a classé l’album à la troisième place de sa liste des  » meilleurs albums des années 1980 « , derrière Thriller de Michael Jackson et Purple Rain de Prince and the Revolution L’album est classé numéro 2 dans la liste des meilleurs disques du XXe siècle du magazine musical allemand Spex.

Dans son livre Appropriating Technology : Vernacular Science and Social Power, Ron Eglash a commenté qu’un album sonique et politiquement chargé comme Nation  » peut être considéré comme un monument de la synthèse du son et de la politique  » En 2005, le Clive Davis Department of Recorded Music de l’Université de New York a organisé une rétrospective de deux jours intitulée  » The Making of It Takes a Nation of Millions « . « En 2008, lorsqu’on lui a demandé si l’album serait toujours considéré comme radical s’il sortait deux décennies plus tard, Chuck D a répondu qu’il le pensait « simplement parce qu’il est plus rapide que tout ce qui passe à la radio en ce moment. Et oui, c’est radical sur le plan politique… parce qu’on ne le dit pas vraiment beaucoup. Vous voulez que ce ne soit pas radical, mais ça l’est parce que c’est totalement différent de Soulja Boy » Le rappeur américain Ice Cube a déclaré en 2005 que l’album « vous perturbe le cerveau encore aujourd’hui ».

Public Enemy a interprété l’album dans son intégralité dans le cadre de la série Don’t Look Back organisée par All Tomorrow’s Parties  » Je ne pensais pas que ça marcherait « , a admis Chuck D à propos de la performance intégrale. « Mais ça a fini par être quelque chose qui a formidablement bien marché. Maintenant, nous avons un problème pour nous en sortir. Ça m’a étonné que beaucoup de gens qui ont gravité autour de l’album n’étaient même pas nés quand il a été enregistré. Mais c’est YouTube, iLike, MySpace et le partage de fichiers qui en ont souligné l’existence. Je ne peux donc pas dénigrer le partage de fichiers, car il nous a énormément profité ».

La musique de l’album a été samplée par divers artistes au fil des ans, y compris (mais sans s’y limiter) les Beastie Boys ( » Egg Man « ), Game ( » Remedy « ), L’album est décomposé piste par piste par Chuck D dans le livre Check the Technique de Brian Coleman. Wikipedia

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Countdown To Armageddon 1:41
Bring The Noise 3:47
Don’t Believe The Hype 5:20
Cold Lampin With Flavor 4:13
Terminator X To The Edge Of Panic 4:30
Mind Terrorist 1:18
Louder Than A Bomb 3:37
Caught, Can We Get A Witness? 5:03
Show ‘Em Whatcha Got 1:57
She Watch Channel Zero?! 3:50
Night Of The Living Baseheads 3:16
Black Steel In The Hour Of Chaos 6:25
Security Of The First World 1:22
Rebel Without A Pause 5:05
Prophets Of Rage 3:15
Party For Your Right To Fight

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